«La colección del IVAM hasta hoy» propone un viaje por el arte moderno y contemporáneo valenciano, nacional e internacional, desde el siglo XX hasta nuestros días.
A través de una mirada historiográfica, el recorrido enlaza las corrientes esenciales de ambos siglos y, en lugar de avanzar en línea recta, invita a descubrir relatos diversos, cruces inesperados y diálogos entre la Historia y las historias.
Su singularidad reside en cuestionar los cánones y las narrativas dominantes: junto a las grandes figuras, cobran presencia artistas menos conocidos, y la colección abre así nuevas formas de mirar y comprender el arte.
De mi segunda vuelta al Instituto Valencia de Arte Moderno (IVAM Julio González), y de las maravillas que en él se exponen.
Cumplido ya algún tiempo desde mi anterior visita —la cual hice el pasado quince de enero del presente año para contemplar la exposición de Cristina García Rodero y su España Oculta— encaminé mis pasos, cual peregrino que busca consuelo en el arte, hacia el mencionado Instituto Valencia de Arte Moderno, conocido también por el nombre de su ilustre fundador, Julio González.
Pero he aquí que, a diferencia de aquella vez, no hallé exposición alguna dedicada en exclusiva a fotógrafos o fotógrafas, sino un variopinto conjunto de pinturas, esculturas y foto-montajes que, cual jardín de las delicias, me dejaron atónito y maravillado.
Estamos en octubre, y aunque el otoño ya ha echado su manto sobre la tierra, el tiempo, traicionero como un cortesano, se mostraba más propio de un verano tardío. Así lo atestiguaban los visitantes, ataviados con ropas ligeras: camisas de mangas cortas, pantalones que apenas cubrían las rodillas, gorras de visera ancha y vestidos largos, floreados como los campos en mayo. ¡Válgame Dios! Parecía que el sol, en su afán de burlar las estaciones, se empeñaba en caldear el ambiente con más ahínco que en julio.
Entre las exposiciones que más llamaron mi atención, destacaba «La Colección del IVAM hasta hoy«, un compendio de obras que abarcaba desde los pinceles de Julio González e Ignacio Pinazo —maestros del modernismo de principios del siglo pasado— hasta las sombras alargadas de los totalitarismos que asolaron Europa en los años treinta: el nazismo que se extendía como la peste, la guerra civil española que partió el corazón de la patria, y el estallido de la Segunda Guerra Mundial, que sembró el mundo de luto y ceniza.
Más tarde, en los años cincuenta, el arte Pop se alzó con fuerza, trayendo consigo objetos cotidianos, bienes de consumo e imágenes de los medios de comunicación. Los artistas, cual alquimistas modernos, buscaban la sencillez en sus obras, usando colores primarios y escenas de la vida diaria con gran dosis de ingenio e ironía. Luego, en los años sesenta y setenta, el minimalismo se impuso como un dogma, reduciendo las formas a su esencia más pura. Y en las décadas de los ochenta y noventa, la escultura se transformó, abrazando materiales industriales como si fueran el nuevo mármol de los tiempos.
Y así, hasta llegar a nuestros días, donde el arte sigue su curso, cual río que nunca se detiene.
Pero, entre tanto galimatías de pinceladas y formas, mi atención se desvió hacia quienes, como yo, recorrían las salas. Turistas, en su mayoría, reconocibles por su indumentaria desenfadada, y jóvenes estudiantes de algún colegio, que tomaban notas con afán y fotografiaban con sus móviles cada rincón que les parecía digno de recuerdo. ¡Ay! Me pregunté si estos últimos habrían acudido a ver las obras de no ser por el poder de esos pequeños aparatos que llevan en la mano, capaces de capturar la belleza con un simple clic.
Yo mismo, con mi cámara al hombro, me entregué a la tarea de retratar los gestos de los visitantes, jugando con la profundidad de campo a una velocidad fija de 1/125, dejando que la máquina eligiera el ISO, que nunca bajaba de 1000, como si el tiempo mismo se resistiera a detenerse.
Fue entonces cuando mis ojos se posaron en una obra singular, intitulada ABECEDA. Consistía en una composición de veinticinco cuadros individuales, dispuestos en cuadrícula de cinco por cinco, donde cada lienzo mostraba una letra del alfabeto —desde la A hasta la Z— acompañada de una figura femenina que imitaba la forma de la letra en cuestión. Pero he aquí que faltaban las letras Ñ y Q, como si el autor, de origen checo, hubiera olvidado que en nuestra lengua también tienen cabida tales caracteres. ¡Qué misterio más curioso!
Y así, tras deambular por las diversas salas, con el espíritu algo cansado y el estómago rugiendo como un león hambriento, decidí poner fin a mi visita. Pero no sin antes sentir la satisfacción de haber pasado un rato grato y de haber capturado con mi cámara un puñado de instantes que, acaso, algún día revivan en el papel.
Hasta la próxima, pues, que el arte —como la vida— nunca se agota.
